La mujer cíborg
Sala Silvio. 20:00h

El equipo formado por el intérprete-compositor multidisciplinar Daahoud Salim (Sevilla, 1990) y la directora y dramaturga Ruth Rubio (Punta Umbría, 1989) se unen a Taller Sonoro en la producción de La mujer cíborg, una ópera que pretende crear una experiencia inmersiva donde el público se vea confrontado con su propio “sistema operativo”, su propio cíborg.

La mujer cíborg es una ópera multidisciplinar que habita un futuro que ya no espera nada de nosotros: un malvenir. El todo formado por materia viva y dispositivos electrónicos. El encuentro entre una cíborg y una humana en un escenario de barro, circuitos y ruido marrón. Dos mujeres que cantan el colapso y la posibilidad de abrir una grieta fértil. Una forma radical de seguir con el problema, como decía Donna Haraway.

Una manera de sembrar un mundo.

Programa

La mujer cíborg, ópera multidisciplinar *

* Estreno absoluto

Daahoud Salim – Composición y dirección musical
Ruth Rubio – Dirección de escena y dramaturgia

Sonia de Munck, soprano
Lucía Caihuela, mezzosoprano

Taller Sonoro:
Jesús Sánchez Valladares, flauta
Camilo Irizo, clarinete
Baldomero Lloréns, percusión
Ignacio Torner, piano
Alejandro Tuñón, violín
Mª del Carmen Coronado, violonchelo
Javier Campaña, electrónica

Daahoud Salim. Ha recibido encargos de la Royal Concertgebouw Orchestra (Ámsterdam), Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), La Schubertiada, Festival Bal y Gay, Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS), Festival de Ópera de Sevilla, Orquesta de Extremadura (OEX), Orquesta Joven de Andalucía (OJA), Fundación SGAE, Grachten Festival (Países Bajos), Keep an Eye Foundation (Países Bajos), Conservatorium van Amsterdam, Bernard van Beinum Foundation, Agencia Andaluza de Instituciones Culturales (AAIICC), Festival “Ópera a quemarropa” de Madrid, Orquesta Ciudad de Almería (OCAL), Tartu Museum of Natrual History (Estonia) etc., así como agrupaciones menores como Fuse!, o Solar Duo. Grandes figuras como el clarinetista Martin Fröst, el Cuarteto Casals, Juan P. Floristán o el maestro Pablo González han estrenado e interpretado sus obras. También otros grandes intérpretes y conjuntos como Rosanne Philippens, Alma Quartet, Michael Thomas, Aristos Quartet, David Alonso, Álvaro Albiach han interpretado sus obras. En 2022 recibe el Primer Premio en el Tapiola Choir International Composition Competition (Helsinki, Finlandia). En 2025, recibe el 2o Premio en el
Concorso Internazionale di Composizione “Dante Moro”.

Como compositor de jazz, grandes formaciones como la Danish Radio Big Band, la Jazz Station Big Band, Bulgarian National Radio Big Band o la Clasijazz Big Band, entre otras, han tocado su música. En 2024 recibe dos premios: El EBC Prize, otorgado por la International Association of Jazz Arrangers and Composers (EEUU) y la University of South Florida, y el 2o Premio Tete Montoliu de Composición Jazz. En 2022 ganó el Primer Premio en el Concurso de Composición y Arreglos para Big Band Fundación SGAE/Asociación Ool-ya-koo. En 2017 recibe el Sabam Cultur Prize al mejor arreglo durante el B-Jazz Festival, en Leuven (Bélgica).

Ruth Rubio. Dramaturga, directora y compositora. Ha sido galardonada con el 34o Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2025 por su obra SolarPunk. Inicia su carrera teatral en el mundo de la dirección, codirigiendo Ansia de Sarah Kane (Sala del Cachorro, Sevilla), versionando y dirigiendo La Fundación de Buero Vallejo (La Pensión de las Pulgas, Madrid) y Ella entre todas (Teatros del Canal, Madrid).

En el ámbito de la investigación teatral, ha sido becada por la Sala Cuarta Pared y Goethe Institut (becas ETC), Teatro de la Abadía (Residencia A Gatas), Bundesamt für Kultur del gobierno suizo por su proyecto A body lands in nowhere y ha formado parte de Centre Stage, proyecto de Europa Creativa, liderado por Kultur i Väst (Suecia), Theatre Forum (Irlanda) y la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales. En 2022 forma parte del X Programa de Dramaturgias Actuales del INAEM con su obra El pulso de las candelas (Fandangos del plutonio) y es integrante de la beca#laboratorio Nuevas Dramaturgias / Antzerkigintza Berriak organizado por Donostia Kultura con su proyecto Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá. En 2023 fue becada por el Centro Dramático Nacional y la Sala Beckett para asistir al encuentro
internacional del Obrador d’Estiu con el dramaturgo Simon Longman. En 2024 vuelve al Teatro Central con la dramaturgia de Still (Tientos de la ruina futura), dirigido por Raquel Madrid para su compañía 2 Proposiciones Danza Teatro y escribe la pieza Dies ist ein Platz para el ciclo de ficciones sonoras del ATT on AIR del Deutsches Theater Berlin. Ese mismo año, – publica Los Inflamables dentro de la colección Textos Dramáticos del CIRAE (Centro de investigación y recursos de las artes escénicas de Andalucía).

En 2025 estrenará Zambra de la buena salvaje, en Cuarta Pared y en el Teatro Central, y La jácara de los cuerpos imposibles, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, ambas obras dirigidas por Alberto Velasco. 

Sonia de Munck, La soprano madrileña Sonia de Munck estudió en la Escuela Superior de Canto con Dolores Travesedo y Miguel Zanetti. Se licenció con las más altas calificaciones y obtuvo el Premio Fin de Carrera Lola Rodríguez Aragón. Ha recibido clases magistrales de Victoria de los Ángeles, Dolora Zajick, Istvan Cserjan, Wolfram Rieger, Janine Reiss, Alberto Zedda y Carlos Mena, entre otros. Fue premiada en los concursos Ciudad de Logroño y Pedro Lavirgen.

Ha actuado en los más importantes teatros y salas de concierto españoles, como el Teatro Real de Madrid, Teatro de la Zarzuela, Gran Teatro del Liceu de Barcelona, Teatro Arriaga, Teatros del Canal y Auditorio Nacional de Madrid, Baluarte de Pamplona, Teatro Campoamor y Príncipe de Asturias en Oviedo, Teatro Monumental de Madrid, Fundación Juan March o el Teatro de la Maestranza.

Ha trabajado bajo la batuta de maestros como Alan Curtis, Pinchas Steinberg, LópezCobos, Josep Pons, Juanjo Mena, Alain Altinoglu o Carlos Mena y por registas como José Carlos Plaza, Albert Boadella, Lluis Pasqual, Gustavo Tambascio, Emilio Sagi o Luis Olmos. En el repertorio operístico, cabe destacar los siguientes papeles: Sophie (Werther), Gilda (Rigoletto), Despina (Così fan tutte), Pamina (Die Zauberflöte), Valencienne (Die lustige Witwe), Bastienne (Bastien und Bastienne), Adele (Die Fledermaus), Amina (La Sonnambula), Rowan (The little Sweep), Musetta (La bohème), Der Hirt (Tannhäuser), Lucia (Lucia di Lammermoor), Princesa (El gato con botas, de Montsalvatge), Fée (Cendrillon, de Viardot), Agafia (Zhenit’ba, de Mussorgsky), Susanna (Il secreto di Susanna), Lucy (The Telephone), Bubikopf (Der Kaiser von Atlantis), Mujer (Las horas vacías, de Ricardo Llorca), Doneta (Fantochines, de Conrado del Campo), Pájaro/Ella (El pájaro de dos colores, de Conrado del Campo), Millebocche (L’enigma di Lea, de Benet Casablancas) y Sweetheart (Hangman, Hangman y The town of greed, de Leonardo Balada).

A lo largo de su carrera, ha tenido especial relación con el Teatro de la Zarzuela, donde ha tenido la oportunidad de representar los papeles más destacados del género escritos para su cuerda: Doña Francisquita, La tabernera del puerto, La Generala, El rey que rabió, El estreno de una artista, El dominó azul, Galanteos en Venecia, Los diamantes de la Corona y Marina, entre otros.

En el campo del oratorio, ha interpretado Salmo de alegría para el siglo XXI de García Abril, Exsultate jubilate, Misa de la Coronación y Misa en Do menor de Mozart, Carmina Burana de Orff, Stabat Mater de Pergolesi, Missa Brevis y La Creación de Haydn, Cantata BWV 84 de Bach, Messiah de Handel, Gloria de Vivaldi, Requiem de Fauré…

Compromisos en la presente temporada incluyen Pierrot Lunaire de Schönberg en el Festival Internacional de Canarias, Carmina Burana con OCRTVE bajo la dirección de Pinchas Steinberg, Cain, overo il primo omicidio de A. Scarlatti en el Teatro Arriaga de Bilbao, bajo la dirección de Carlos Mena y Parsifal en el Gran Teatro del Liceo, bajo la dirección de Josep Pons.

El maestro Miguel Zanetti ha sido para ella un músico de referencia en su trayectoria. Con él tuvo la suerte de presentarse en concierto en sus últimos años de vida y a él debe su pasión por la canción de concierto, que cultiva asiduamente.

Ha grabado Clementina de Boccherini bajo la dirección de Pablo Heras-Casado

Lucía Caihuela, Nacida en Madrid, Lucía Caihuela se forma como cantante en los  Países Bajos y es graduada cum laude del Conservatorium van Amsterdam con especialización en interpretación historicista.  Lucía es habitual colaboradora de agrupaciones como The Netherlands Bach Society, Collegium 1704, Opera2Day, Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, L’Apothéose, Ensemble Masques y La Guirlande.

Ha cantado como solista en prestigiosas salas nacionales e internacionales como el Teatro Real, el Auditorio Nacional de Madrid, la Chapelle Royale de Versalles, el Rudolfinum en Praga, el Concertgebouw de Ámsterdam, De Bijloke en Gante, TivoliVredenburg en Utrecht  y el Mozarteum  en Salzburgo, entre otros, y ha trabajado con directores como Richard Egarr, Philippe Herreweghe, Shunske Sato, Christoph Prégardien, Hans-Christoph Rademann y Václav Luks.

En el terreno de la ópera, Lucía fue una de las finalistas en la Neue Stimmen Competition en Alemania en 2017, así como semifinalista en la London Handel Competition en 2020. Ha interpretado roles como el de Proserpina en L’Orfeo de Monteverdi, Dido en Dido and Aeneas de Purcell, Cherubino en Le nozze di Figaro de Mozart, Amenofi en la recuperación de la ópera barroca La Nitteti de Conforto y en la temporada 2023/2024 interpretará el rol de Poppea en una coproducción de L’incoronazione di Poppea entre Opera2Day y The Netherlands Bach Society en los Países Bajos.

Taller Sonoro. Desde su creación en el año 2000, Taller Sonoro avanza incansablemente en dos direcciones principales: la interpretación de la música más actual y radical en su propuesta estética para llevarla al público español e internacional con el mayor grado de rigor y compromiso, y el apoyo a los jóvenes compositores (incluyendo una labor pedagógica permanente) ofreciéndose el grupo como una herramienta útil y profesional para poder desarrollar plenamente su apuesta creativa.

En sus 24 años de existencia ha estrenado más de 300 obras, grabado 6 CDs, ofrecido más de 250 conciertos, siendo habitual en las programaciones de música contemporánea de las salas más importantes de España (Auditorio Nacional, Auditorio 400 MNCARS, Teatro del Liceo, Palau de les Arts, Teatro Central, Teatros del Canal…). A nivel internacional actúa regularmente festivales de Viena, Zúrich, Leuk, París, Brest, Roma, Milán, Trento, Perpignan, Berlín, Frankfurt am Main, Bremen y Colonia. De manera singular, es un grupo de notable presencia en Latinoamérica donde ofrece conciertos y cursos anualmente en Perú (Lima 2007 y 2008), México (Morelia 2010; Ciudad de México 2016, 2017, 2018, 2019 y Guanajuato 2020), Argentina (Rosario y Buenos Aires 2011) y Colombia (Bogotá 2012, 2018).

En 2018 y 2021, Taller Sonoro ha sido grupo residente del Máster en Tecnología del Sonido y Composición del Conservatorio Superior de Parma (Italia). De 2018 a 2023 ha sido uno de los organizadores del proyecto europeo DYCE (https://www.dyce-project.eu/) financiado por la Comisión Europea a través de Europa Creative y es el ensemble residente de la Cátedra Manuel de Falla organizada por la Junta de Andalucía desde su creación en 2003 hasta la actualidad.

En 2025 ha sido galardonado con el premio Colombia en el mundo, otorgado por la organización internacional  IBERMÚSICAS, por su ayuda a la difusión de la música contemporánea colombiana.

Nueve maneras de estar solo
Dir.: Ignacio Torner
Sala Silvio, 12:00 horas

El Proyecto Piano Joven marca una nueva e ilusionante edición de esta consolidada iniciativa pedagógica que, tras más de dos décadas de trayectoria, continúa transformando la manera en que las nuevas generaciones de pianistas escuchan y abordan la música de nuestro tiempo. Nacido en el Aula de Piano de Ignacio Torner en el Conservatorio Profesional de Música “Cristóbal de Morales” de Sevilla, el proyecto ofrece a una cuidada selección de alumnos de Grado Profesional una oportunidad única y profundamente formativa: vivir la experiencia real del circuito profesional mediante una gira de conciertos en la que participan mano a mano con su profesor. Más allá de la exigencia técnica sobre el escenario, los jóvenes intérpretes se sumergen de lleno en el aprendizaje integral de la profesión, asumiendo de forma directa la producción, la gestión logística de la gira y el trabajo de taller codo con codo con los propios compositores.

Para esta edición de 2027, el programa se articula como un viaje sonoro de una madurez extraordinaria que desafía y expande las capacidades de sus participantes. La propuesta se convierte en una panorámica de la creación española actual, combinando la delicada síntesis y el lirismo de autores como Benet Casablancas, Mercedes Zavala, César Camarero, Hermes Luaces, Ángel Blanco, Nuria Núñez o Mario Carro, con el dinamismo estético y tecnológico de José Manuel López López y Gustavo Díaz Jerez. Al integrar estas complejas poéticas contemporáneas en su formación, el proyecto no solo impulsa un nivel de excelencia que trasciende el aula académica, sino que cumple su objetivo más valioso: abrir las mentes de los jóvenes músicos hacia el futuro, demostrando que el piano es un lienzo vivo, dinámico y en constante evolución en pleno corazón de nuestro siglo.

Programa

• Hermes Luaces (1975) – Preludios X y XI (2011)
• César Camarero (1962) – Monólogo I (2005)
• Ángel Blanco (2003) – El olvido del corazón (2026)
• José Manuel López López (1956) – Hybris (2002)
• Mercedes Zavala (1963) – Haikus para piano-selección (2002)
• Benet Casablancas (1956) – Tres haikus para piano (2011)
• Nuria Núñez Hierro (1980) – Der Rote Faden III (2012)
• Mario Carro (1979) – Steppenwolf (de Maneras de estar solo) (2026)
• Gustavo Díaz Jerez (1970) – Rule 110 (de Metaludios, book II) (2015)
  An error ocurred (de Metaludios, book III) (2017)

Intérpretes:

Director: Ignacio Torner

Piano:
1. Irene González
2. Clara Aranda
3. Alazne de los Ríos
4. Ignacio Torner
5. Rebeca Pino
6. Ángel Fernández
7. Carlos Borrás
8. Vicente Montagud
9. Álvaro Sánchez (invitado PPJ 2023).

Tintinnabuli
Jorge Nicolás Manrique, director
Sala Silvio, 20:00 horas

Durante la última década, Rioja Filarmonía ha participado en el Festival Encuentros Sonoros con diversos programas de experimentación técnica, acústica y de performance a través de la unión de obras icónicas del repertorio contemporáneo del siglo XX y de otras de más reciente creación.  El programa que presenta en esta ocasión, radicalmente alejado de esa estética (o no), invita a un viaje hacia la introspección y la quietud, trazando un mapa sonoro que une la Estonia de Arvo Pärt, la Georgia de Giya Kancheli y la Letonia de Peteris Vasks.

A través de la estética del tintinnabuli de Pärt, donde cada nota resuena con la pureza de una campana, nos adentramos en un espacio donde el tiempo parece detenerse. Esta serenidad báltica dialoga con la nostalgia profunda de Kancheli y el misticismo vibrante de Vasks, recordándonos que, en la música contemporánea de estas latitudes, el silencio no es ausencia de sonido, sino el lienzo sagrado sobre el cual se proyectan nuestras emociones más íntimas.

Programa

Arvo Pärt (1935) – Für Alina (1976)

Giya Kancheli (1935-2019) – Miniaturas para violín y piano (1960s-1970s) (Selección)

7. Cantabile grazioso
8. Con energía, secco
9. Sostenuto

Arvo Pärt . Spiegel im Spiegel (1978)

Arvo Pärt – Mozart Adagio (1992, rev. 2005)

Peteris Vasks (1946) – Castillo Interior (2013)

Giya Kancheli – Instead of a Tango (1996)

Rioja Filarmonía
violín – Alba Carretero
violonchelo – Alba Reirís
piano y dirección artística – Jorge Nicolás Manrique

Kiss me specially
Carlos Cansino, director
Sala Silvio, 20:00 horas

La propuesta de proyectoeLe para esta temporada 2026-27 reúne obras de tres compositoras británicas e irlandesas escritas entre los años setenta y la actualidad. Las piezas de Elizabeth Maconchy y Elizabeth Lutyens, contemporáneas entre sí, muestran dos respuestas muy distintas a las tensiones del lenguaje musical del siglo XX: una escritura que todavía conserva cierta relación con la armonía expandida y el color modal, y otra más sistemática, de filiación claramente serial. Frente a ellas, Rhona Clarke plantea una distancia temporal de varias décadas que permite una relación más libre con ese legado.

En ese recorrido, la relación con el texto es un hilo común. En Maconchy y Lutyens la palabra actúa como punto de partida para una escritura concentrada, donde la estructura musical parece extraer su lógica directamente del material poético. En Clarke, en cambio, el tratamiento del texto se abre a registros más variados, incluyendo la palabra hablada y una concepción más flexible del discurso coral, como si el lenguaje ya no necesitara justificarse a través de un sistema único.

Las obras finales, escritas en 2020, desplazan el centro de gravedad hacia una expresión más decantada, menos dependiente de los modelos históricos que atraviesan las piezas anteriores. Escuchadas en conjunto, estas partituras dibujan un itinerario que no busca ilustrar una evolución lineal, sino poner en relación distintas maneras de escribir para coro mixto en torno a la voz, el texto y la forma musical.

Programa

Elizabeth Maconchy (1907 – 1994)  – Siren’s song (1974) – Texto: William Browne
Elizabeth Lutyens (1906 – 1983)  – Verses of Love (1970) – Texto: Ben Jonson
1. He of her
2. She of him
3. His last word
Rhona Clark (n. 1958) – The Kiss (2008) – Texto: Ulick O’Connor
O Vis Aeternitatis (2020) – Texto: Hildegard von Bingen
Requiem (2020)
– Introit
– Lux Aeterna
– Pie Jesu
– In Paradisum

Dirección: Carlos Cansino

Poetica (Vena I). Chaya Czernowin
Juanjo Guillém, dirección artística
Sala Silvio, 20:00 horas

El programa de este concierto está dedicado a la obra Poetica (Vena I), de la compositora Chaya Czernowin, una de las figuras más influyentes y singulares de la creación musical contemporánea internacional. Nacida en Israel y formada en Europa y Estados Unidos, Czernowin ha desarrollado una trayectoria de primer orden como compositora, investigadora y pedagoga, siendo profesora en instituciones de referencia como la Universidad de Harvard. Su música se caracteriza por una exploración profunda del sonido como materia viva, fronteriza y en constante transformación. 

Poética (Vena I) (2023), para percusión solista, cuatro percusionistas y electrónica fue estrenada en 2024. es una obra que plantea una reflexión sobre la escucha y el significado poético del sonido, entendiendo lo “poético” no como narración explícita, sino como experiencia perceptiva y sensorial. La pieza articula un diálogo complejo entre la percusión solista, un grupo de cuatro intérpretes adicionales y la electrónica, que integra grabaciones de campo como memoria sonora del entorno. Estos materiales no funcionan como acompañamiento, sino como capas activas que interactúan con el sonido en vivo, ampliando la noción de espacio y tiempo musical.

Programa

Chaya Czernowin (1935) – Poetica (Vena I) (2023)
para percusión solista, cuatro percusionistas y electrónica

Neopercusión

Percusión – Rafa Gálvez, Nerea Vera, Daniel Gómez, Miguel Gutiérrez
Solista de percusión y dirección artística – Juanjo Guillém

De la repetición a la suspensión – piano y electrónica
Sala Silvio, 20:00 horas

De la repetición a la suspensión es una mirada a la composición actual en España, así como una colaboración con compositores/as españoles residentes en Berlín –Lula Romero, José Luis Perdigón– o que han vivido hasta hace poco en la ciudad –Nuria Núñez Hierro, Fabià Santcovsky–. El concierto cuenta con varios estrenos mundiales y obras muy recientes. Me parece extremadamente interesante y necesario presentar el talento de esta nueva generación musical, compositores/as clave del panorama español contemporáneo, junto a dos pilares importantes del piano del siglo XX, padres de la modernidad: Isaac Albéniz y Federico Mompou. 

Establecer un paradigma para luego desestabilizarlo o cuestionarlo es una línea de exploración que ha interesado frecuentemente a los/las artistas e intelectuales más vanguardistas. Partiendo de esta idea, un zapateado flamenco es pura repetición y ritmo, un puro quedarse en el sitio y golpear la tierra. El golpe corto, de tanto repetirse se convierte en sonido fluido, sonido prolongado, como un puntillismo rítmico que genera movimiento. Esa es también la esencia de la escuela clavecinista, que aún sigue impregnando las composiciones para piano y atraviesa como un hilo este concierto. Cómo desde esa pulsación insistente, desde el establecimiento de un signo o paradigma concreto llegaríamos a la libertad, a la flotación en un espacio sin lugar definido, lo veremos –o más bien, escucharemos– a lo largo de este programa. La suspensión del tiempo y del espacio, la búsqueda personal de un “no lugar” propio –más allá de inscribirse en una tradición o corriente reconocida– constituye, quizá, el verdadero desafío del arte contemporáneo.

Programa

Isaac Albéniz (1860-1909) – El Albaicín (1908)
Alberto Carretero (1985) – Videns (2012), para piano y electrónica
Joan Gómez Alemany (1990)
Estudi* (2015)
Lacrimae (2023)
Federico Monpou (1893-1987) – Canción y danza nº 6 (1918)
Fabià Santcovsky (1989) – Ombres flottantes (2021)
Nuria Núñez Hierro (1980) – Der Rote Faden III (2012)
Lula Romero (1976) – The old night itself** (2024), para piano preparado y electrónica
Jose Luis Perdigón (1990) – S Ori 70 (2024)

* Estreno mundial
** Estreno en España

Claudia Pérez Iñesta – piano
Alberto Carretero – electrónica