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10 junio 2027. Taller Sonoro + Daahoud Salim + Ruth Rubio

La mujer cíborg
Sala Silvio. 20:00h

El equipo formado por el intérprete-compositor multidisciplinar Daahoud Salim (Sevilla, 1990) y la directora y dramaturga Ruth Rubio (Punta Umbría, 1989) se unen a Taller Sonoro en la producción de La mujer cíborg, una ópera que pretende crear una experiencia inmersiva donde el público se vea confrontado con su propio “sistema operativo”, su propio cíborg.

La mujer cíborg es una ópera multidisciplinar que habita un futuro que ya no espera nada de nosotros: un malvenir. El todo formado por materia viva y dispositivos electrónicos. El encuentro entre una cíborg y una humana en un escenario de barro, circuitos y ruido marrón. Dos mujeres que cantan el colapso y la posibilidad de abrir una grieta fértil. Una forma radical de seguir con el problema, como decía Donna Haraway.

Una manera de sembrar un mundo.

Programa

La mujer cíborg, ópera multidisciplinar *

* Estreno absoluto

Daahoud Salim – Composición y dirección musical
Ruth Rubio – Dirección de escena y dramaturgia

Sonia de Munck, soprano
Lucía Caihuela, mezzosoprano

Taller Sonoro:
Jesús Sánchez Valladares, flauta
Camilo Irizo, clarinete
Baldomero Lloréns, percusión
Ignacio Torner, piano
Alejandro Tuñón, violín
Mª del Carmen Coronado, violonchelo
Javier Campaña, electrónica

Daahoud Salim. Ha recibido encargos de la Royal Concertgebouw Orchestra (Ámsterdam), Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), La Schubertiada, Festival Bal y Gay, Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS), Festival de Ópera de Sevilla, Orquesta de Extremadura (OEX), Orquesta Joven de Andalucía (OJA), Fundación SGAE, Grachten Festival (Países Bajos), Keep an Eye Foundation (Países Bajos), Conservatorium van Amsterdam, Bernard van Beinum Foundation, Agencia Andaluza de Instituciones Culturales (AAIICC), Festival “Ópera a quemarropa” de Madrid, Orquesta Ciudad de Almería (OCAL), Tartu Museum of Natrual History (Estonia) etc., así como agrupaciones menores como Fuse!, o Solar Duo. Grandes figuras como el clarinetista Martin Fröst, el Cuarteto Casals, Juan P. Floristán o el maestro Pablo González han estrenado e interpretado sus obras. También otros grandes intérpretes y conjuntos como Rosanne Philippens, Alma Quartet, Michael Thomas, Aristos Quartet, David Alonso, Álvaro Albiach han interpretado sus obras. En 2022 recibe el Primer Premio en el Tapiola Choir International Composition Competition (Helsinki, Finlandia). En 2025, recibe el 2o Premio en el
Concorso Internazionale di Composizione “Dante Moro”.

Como compositor de jazz, grandes formaciones como la Danish Radio Big Band, la Jazz Station Big Band, Bulgarian National Radio Big Band o la Clasijazz Big Band, entre otras, han tocado su música. En 2024 recibe dos premios: El EBC Prize, otorgado por la International Association of Jazz Arrangers and Composers (EEUU) y la University of South Florida, y el 2o Premio Tete Montoliu de Composición Jazz. En 2022 ganó el Primer Premio en el Concurso de Composición y Arreglos para Big Band Fundación SGAE/Asociación Ool-ya-koo. En 2017 recibe el Sabam Cultur Prize al mejor arreglo durante el B-Jazz Festival, en Leuven (Bélgica).

Ruth Rubio. Dramaturga, directora y compositora. Ha sido galardonada con el 34o Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2025 por su obra SolarPunk. Inicia su carrera teatral en el mundo de la dirección, codirigiendo Ansia de Sarah Kane (Sala del Cachorro, Sevilla), versionando y dirigiendo La Fundación de Buero Vallejo (La Pensión de las Pulgas, Madrid) y Ella entre todas (Teatros del Canal, Madrid).

En el ámbito de la investigación teatral, ha sido becada por la Sala Cuarta Pared y Goethe Institut (becas ETC), Teatro de la Abadía (Residencia A Gatas), Bundesamt für Kultur del gobierno suizo por su proyecto A body lands in nowhere y ha formado parte de Centre Stage, proyecto de Europa Creativa, liderado por Kultur i Väst (Suecia), Theatre Forum (Irlanda) y la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales. En 2022 forma parte del X Programa de Dramaturgias Actuales del INAEM con su obra El pulso de las candelas (Fandangos del plutonio) y es integrante de la beca#laboratorio Nuevas Dramaturgias / Antzerkigintza Berriak organizado por Donostia Kultura con su proyecto Cómo hacer una bomba en la cocina de tu mamá. En 2023 fue becada por el Centro Dramático Nacional y la Sala Beckett para asistir al encuentro
internacional del Obrador d’Estiu con el dramaturgo Simon Longman. En 2024 vuelve al Teatro Central con la dramaturgia de Still (Tientos de la ruina futura), dirigido por Raquel Madrid para su compañía 2 Proposiciones Danza Teatro y escribe la pieza Dies ist ein Platz para el ciclo de ficciones sonoras del ATT on AIR del Deutsches Theater Berlin. Ese mismo año, – publica Los Inflamables dentro de la colección Textos Dramáticos del CIRAE (Centro de investigación y recursos de las artes escénicas de Andalucía).

En 2025 estrenará Zambra de la buena salvaje, en Cuarta Pared y en el Teatro Central, y La jácara de los cuerpos imposibles, en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, ambas obras dirigidas por Alberto Velasco. 

Sonia de Munck, La soprano madrileña Sonia de Munck estudió en la Escuela Superior de Canto con Dolores Travesedo y Miguel Zanetti. Se licenció con las más altas calificaciones y obtuvo el Premio Fin de Carrera Lola Rodríguez Aragón. Ha recibido clases magistrales de Victoria de los Ángeles, Dolora Zajick, Istvan Cserjan, Wolfram Rieger, Janine Reiss, Alberto Zedda y Carlos Mena, entre otros. Fue premiada en los concursos Ciudad de Logroño y Pedro Lavirgen.

Ha actuado en los más importantes teatros y salas de concierto españoles, como el Teatro Real de Madrid, Teatro de la Zarzuela, Gran Teatro del Liceu de Barcelona, Teatro Arriaga, Teatros del Canal y Auditorio Nacional de Madrid, Baluarte de Pamplona, Teatro Campoamor y Príncipe de Asturias en Oviedo, Teatro Monumental de Madrid, Fundación Juan March o el Teatro de la Maestranza.

Ha trabajado bajo la batuta de maestros como Alan Curtis, Pinchas Steinberg, LópezCobos, Josep Pons, Juanjo Mena, Alain Altinoglu o Carlos Mena y por registas como José Carlos Plaza, Albert Boadella, Lluis Pasqual, Gustavo Tambascio, Emilio Sagi o Luis Olmos. En el repertorio operístico, cabe destacar los siguientes papeles: Sophie (Werther), Gilda (Rigoletto), Despina (Così fan tutte), Pamina (Die Zauberflöte), Valencienne (Die lustige Witwe), Bastienne (Bastien und Bastienne), Adele (Die Fledermaus), Amina (La Sonnambula), Rowan (The little Sweep), Musetta (La bohème), Der Hirt (Tannhäuser), Lucia (Lucia di Lammermoor), Princesa (El gato con botas, de Montsalvatge), Fée (Cendrillon, de Viardot), Agafia (Zhenit’ba, de Mussorgsky), Susanna (Il secreto di Susanna), Lucy (The Telephone), Bubikopf (Der Kaiser von Atlantis), Mujer (Las horas vacías, de Ricardo Llorca), Doneta (Fantochines, de Conrado del Campo), Pájaro/Ella (El pájaro de dos colores, de Conrado del Campo), Millebocche (L’enigma di Lea, de Benet Casablancas) y Sweetheart (Hangman, Hangman y The town of greed, de Leonardo Balada).

A lo largo de su carrera, ha tenido especial relación con el Teatro de la Zarzuela, donde ha tenido la oportunidad de representar los papeles más destacados del género escritos para su cuerda: Doña Francisquita, La tabernera del puerto, La Generala, El rey que rabió, El estreno de una artista, El dominó azul, Galanteos en Venecia, Los diamantes de la Corona y Marina, entre otros.

En el campo del oratorio, ha interpretado Salmo de alegría para el siglo XXI de García Abril, Exsultate jubilate, Misa de la Coronación y Misa en Do menor de Mozart, Carmina Burana de Orff, Stabat Mater de Pergolesi, Missa Brevis y La Creación de Haydn, Cantata BWV 84 de Bach, Messiah de Handel, Gloria de Vivaldi, Requiem de Fauré…

Compromisos en la presente temporada incluyen Pierrot Lunaire de Schönberg en el Festival Internacional de Canarias, Carmina Burana con OCRTVE bajo la dirección de Pinchas Steinberg, Cain, overo il primo omicidio de A. Scarlatti en el Teatro Arriaga de Bilbao, bajo la dirección de Carlos Mena y Parsifal en el Gran Teatro del Liceo, bajo la dirección de Josep Pons.

El maestro Miguel Zanetti ha sido para ella un músico de referencia en su trayectoria. Con él tuvo la suerte de presentarse en concierto en sus últimos años de vida y a él debe su pasión por la canción de concierto, que cultiva asiduamente.

Ha grabado Clementina de Boccherini bajo la dirección de Pablo Heras-Casado

Lucía Caihuela, Nacida en Madrid, Lucía Caihuela se forma como cantante en los  Países Bajos y es graduada cum laude del Conservatorium van Amsterdam con especialización en interpretación historicista.  Lucía es habitual colaboradora de agrupaciones como The Netherlands Bach Society, Collegium 1704, Opera2Day, Al Ayre Español, Orquesta Barroca de Sevilla, L’Apothéose, Ensemble Masques y La Guirlande.

Ha cantado como solista en prestigiosas salas nacionales e internacionales como el Teatro Real, el Auditorio Nacional de Madrid, la Chapelle Royale de Versalles, el Rudolfinum en Praga, el Concertgebouw de Ámsterdam, De Bijloke en Gante, TivoliVredenburg en Utrecht  y el Mozarteum  en Salzburgo, entre otros, y ha trabajado con directores como Richard Egarr, Philippe Herreweghe, Shunske Sato, Christoph Prégardien, Hans-Christoph Rademann y Václav Luks.

En el terreno de la ópera, Lucía fue una de las finalistas en la Neue Stimmen Competition en Alemania en 2017, así como semifinalista en la London Handel Competition en 2020. Ha interpretado roles como el de Proserpina en L’Orfeo de Monteverdi, Dido en Dido and Aeneas de Purcell, Cherubino en Le nozze di Figaro de Mozart, Amenofi en la recuperación de la ópera barroca La Nitteti de Conforto y en la temporada 2023/2024 interpretará el rol de Poppea en una coproducción de L’incoronazione di Poppea entre Opera2Day y The Netherlands Bach Society en los Países Bajos.

Taller Sonoro. Desde su creación en el año 2000, Taller Sonoro avanza incansablemente en dos direcciones principales: la interpretación de la música más actual y radical en su propuesta estética para llevarla al público español e internacional con el mayor grado de rigor y compromiso, y el apoyo a los jóvenes compositores (incluyendo una labor pedagógica permanente) ofreciéndose el grupo como una herramienta útil y profesional para poder desarrollar plenamente su apuesta creativa.

En sus 24 años de existencia ha estrenado más de 300 obras, grabado 6 CDs, ofrecido más de 250 conciertos, siendo habitual en las programaciones de música contemporánea de las salas más importantes de España (Auditorio Nacional, Auditorio 400 MNCARS, Teatro del Liceo, Palau de les Arts, Teatro Central, Teatros del Canal…). A nivel internacional actúa regularmente festivales de Viena, Zúrich, Leuk, París, Brest, Roma, Milán, Trento, Perpignan, Berlín, Frankfurt am Main, Bremen y Colonia. De manera singular, es un grupo de notable presencia en Latinoamérica donde ofrece conciertos y cursos anualmente en Perú (Lima 2007 y 2008), México (Morelia 2010; Ciudad de México 2016, 2017, 2018, 2019 y Guanajuato 2020), Argentina (Rosario y Buenos Aires 2011) y Colombia (Bogotá 2012, 2018).

En 2018 y 2021, Taller Sonoro ha sido grupo residente del Máster en Tecnología del Sonido y Composición del Conservatorio Superior de Parma (Italia). De 2018 a 2023 ha sido uno de los organizadores del proyecto europeo DYCE (https://www.dyce-project.eu/) financiado por la Comisión Europea a través de Europa Creative y es el ensemble residente de la Cátedra Manuel de Falla organizada por la Junta de Andalucía desde su creación en 2003 hasta la actualidad.

En 2025 ha sido galardonado con el premio Colombia en el mundo, otorgado por la organización internacional  IBERMÚSICAS, por su ayuda a la difusión de la música contemporánea colombiana.

23 mayo 2027. Proyecto Piano Joven (Sevilla)

Nueve maneras de estar solo
Dir.: Ignacio Torner
Sala Silvio, 12:00 horas

El Proyecto Piano Joven marca una nueva e ilusionante edición de esta consolidada iniciativa pedagógica que, tras más de dos décadas de trayectoria, continúa transformando la manera en que las nuevas generaciones de pianistas escuchan y abordan la música de nuestro tiempo. Nacido en el Aula de Piano de Ignacio Torner en el Conservatorio Profesional de Música “Cristóbal de Morales” de Sevilla, el proyecto ofrece a una cuidada selección de alumnos de Grado Profesional una oportunidad única y profundamente formativa: vivir la experiencia real del circuito profesional mediante una gira de conciertos en la que participan mano a mano con su profesor. Más allá de la exigencia técnica sobre el escenario, los jóvenes intérpretes se sumergen de lleno en el aprendizaje integral de la profesión, asumiendo de forma directa la producción, la gestión logística de la gira y el trabajo de taller codo con codo con los propios compositores.

Para esta edición de 2027, el programa se articula como un viaje sonoro de una madurez extraordinaria que desafía y expande las capacidades de sus participantes. La propuesta se convierte en una panorámica de la creación española actual, combinando la delicada síntesis y el lirismo de autores como Benet Casablancas, Mercedes Zavala, César Camarero, Hermes Luaces, Ángel Blanco, Nuria Núñez o Mario Carro, con el dinamismo estético y tecnológico de José Manuel López López y Gustavo Díaz Jerez. Al integrar estas complejas poéticas contemporáneas en su formación, el proyecto no solo impulsa un nivel de excelencia que trasciende el aula académica, sino que cumple su objetivo más valioso: abrir las mentes de los jóvenes músicos hacia el futuro, demostrando que el piano es un lienzo vivo, dinámico y en constante evolución en pleno corazón de nuestro siglo.

Programa

  • Hermes Luaces (1975) – Preludios X y XI (2011)
  • César Camarero (1962) – Monólogo I (2005)
  • Ángel Blanco (2003) – El olvido del corazón (2026)
  • José Manuel López López (1956) – Hybris (2002)
  • Mercedes Zavala (1963) – Haikus para piano-selección (2002)
  • Benet Casablancas (1956) – Tres haikus para piano (2011)
  • Nuria Núñez Hierro (1980) – Der Rote Faden III (2012)
  • Mario Carro (1979) – Steppenwolf (de Maneras de estar solo) (2026)
  • Gustavo Díaz Jerez (1970) – Rule 110 (de Metaludios, book II) (2015)
    An error ocurred (de Metaludios, book III) (2017)

Intérpretes:

Director: Ignacio Torner

Piano:
1. Irene González
2. Clara Aranda
3. Alazne de los Ríos
4. Ignacio Torner
5. Rebeca Pino
6. Ángel Fernández
7. Carlos Borrás
8. Vicente Montagud
9. Álvaro Sánchez (invitado PPJ 2023).

14 mayo 2027. Rioja Filarmonía (La Rioja)

Tintinnabuli
Jorge Nicolás Manrique, director
Sala Silvio, 20:00 horas

Durante la última década, Rioja Filarmonía ha participado en el Festival Encuentros Sonoros con diversos programas de experimentación técnica, acústica y de performance a través de la unión de obras icónicas del repertorio contemporáneo del siglo XX y de otras de más reciente creación.  El programa que presenta en esta ocasión, radicalmente alejado de esa estética (o no), invita a un viaje hacia la introspección y la quietud, trazando un mapa sonoro que une la Estonia de Arvo Pärt, la Georgia de Giya Kancheli y la Letonia de Peteris Vasks.

A través de la estética del tintinnabuli de Pärt, donde cada nota resuena con la pureza de una campana, nos adentramos en un espacio donde el tiempo parece detenerse. Esta serenidad báltica dialoga con la nostalgia profunda de Kancheli y el misticismo vibrante de Vasks, recordándonos que, en la música contemporánea de estas latitudes, el silencio no es ausencia de sonido, sino el lienzo sagrado sobre el cual se proyectan nuestras emociones más íntimas.

Programa

Arvo Pärt (1935) – Für Alina (1976)

Giya Kancheli (1935-2019) – Miniaturas para violín y piano (1960s-1970s) (Selección)

  1. Cantabile grazioso
  2. Con energía, secco
  3. Sostenuto

Arvo Pärt . Spiegel im Spiegel (1978)

Arvo Pärt – Mozart Adagio (1992, rev. 2005)

Peteris Vasks (1946) – Castillo Interior (2013)

Giya Kancheli – Instead of a Tango (1996)

Rioja Filarmonía
violín – Alba Carretero
violonchelo – Alba Reirís
piano y dirección artística – Jorge Nicolás Manrique

 

1 mayo 2027. ProyectoeLe (Sevilla)

Kiss me specially
Carlos Cansino, director
Sala Silvio, 20:00 horas

La propuesta de proyectoeLe para esta temporada 2026-27 reúne obras de tres compositoras británicas e irlandesas escritas entre los años setenta y la actualidad. Las piezas de Elizabeth Maconchy y Elizabeth Lutyens, contemporáneas entre sí, muestran dos respuestas muy distintas a las tensiones del lenguaje musical del siglo XX: una escritura que todavía conserva cierta relación con la armonía expandida y el color modal, y otra más sistemática, de filiación claramente serial. Frente a ellas, Rhona Clarke plantea una distancia temporal de varias décadas que permite una relación más libre con ese legado.

En ese recorrido, la relación con el texto es un hilo común. En Maconchy y Lutyens la palabra actúa como punto de partida para una escritura concentrada, donde la estructura musical parece extraer su lógica directamente del material poético. En Clarke, en cambio, el tratamiento del texto se abre a registros más variados, incluyendo la palabra hablada y una concepción más flexible del discurso coral, como si el lenguaje ya no necesitara justificarse a través de un sistema único.

Las obras finales, escritas en 2020, desplazan el centro de gravedad hacia una expresión más decantada, menos dependiente de los modelos históricos que atraviesan las piezas anteriores. Escuchadas en conjunto, estas partituras dibujan un itinerario que no busca ilustrar una evolución lineal, sino poner en relación distintas maneras de escribir para coro mixto en torno a la voz, el texto y la forma musical.

Programa

Elizabeth Maconchy (1907 – 1994)  – Siren’s song (1974) – Texto: William Browne
Elizabeth Lutyens (1906 – 1983)  – Verses of Love (1970) – Texto: Ben Jonson
1. He of her
2. She of him
3. His last word
Rhona Clark (n. 1958) – The Kiss (2008) – Texto: Ulick O’Connor
O Vis Aeternitatis (2020) – Texto: Hildegard von Bingen
Requiem (2020)
– Introit
– Lux Aeterna
– Pie Jesu
– In Paradisum

Dirección: Carlos Cansino

 

29 abril 2027. Neopercusión (Madrid)

Poetica (Vena I). Chaya Czernowin
Juanjo Guillém, dirección artística
Sala Silvio, 20:00 horas

El programa de este concierto está dedicado a la obra Poetica (Vena I), de la compositora Chaya Czernowin, una de las figuras más influyentes y singulares de la creación musical contemporánea internacional. Nacida en Israel y formada en Europa y Estados Unidos, Czernowin ha desarrollado una trayectoria de primer orden como compositora, investigadora y pedagoga, siendo profesora en instituciones de referencia como la Universidad de Harvard. Su música se caracteriza por una exploración profunda del sonido como materia viva, fronteriza y en constante transformación. 

Poética (Vena I) (2023), para percusión solista, cuatro percusionistas y electrónica fue estrenada en 2024. es una obra que plantea una reflexión sobre la escucha y el significado poético del sonido, entendiendo lo “poético” no como narración explícita, sino como experiencia perceptiva y sensorial. La pieza articula un diálogo complejo entre la percusión solista, un grupo de cuatro intérpretes adicionales y la electrónica, que integra grabaciones de campo como memoria sonora del entorno. Estos materiales no funcionan como acompañamiento, sino como capas activas que interactúan con el sonido en vivo, ampliando la noción de espacio y tiempo musical.

Programa

Chaya Czernowin (1935) – Poetica (Vena I) (2023)
para percusión solista, cuatro percusionistas y electrónica

Neopercusión

Percusión – Rafa Gálvez, Nerea Vera, Daniel Gómez, Miguel Gutiérrez
Solista de percusión y dirección artística – Juanjo Guillém

 

13 enero 2027. Claudia Pérez Iñesta, piano

De la repetición a la suspensión – piano y electrónica
Sala Silvio, 20:00 horas

De la repetición a la suspensión es una mirada a la composición actual en España, así como una colaboración con compositores/as españoles residentes en Berlín –Lula Romero, José Luis Perdigón– o que han vivido hasta hace poco en la ciudad –Nuria Núñez Hierro, Fabià Santcovsky–. El concierto cuenta con varios estrenos mundiales y obras muy recientes. Me parece extremadamente interesante y necesario presentar el talento de esta nueva generación musical, compositores/as clave del panorama español contemporáneo, junto a dos pilares importantes del piano del siglo XX, padres de la modernidad: Isaac Albéniz y Federico Mompou. 

Establecer un paradigma para luego desestabilizarlo o cuestionarlo es una línea de exploración que ha interesado frecuentemente a los/las artistas e intelectuales más vanguardistas. Partiendo de esta idea, un zapateado flamenco es pura repetición y ritmo, un puro quedarse en el sitio y golpear la tierra. El golpe corto, de tanto repetirse se convierte en sonido fluido, sonido prolongado, como un puntillismo rítmico que genera movimiento. Esa es también la esencia de la escuela clavecinista, que aún sigue impregnando las composiciones para piano y atraviesa como un hilo este concierto. Cómo desde esa pulsación insistente, desde el establecimiento de un signo o paradigma concreto llegaríamos a la libertad, a la flotación en un espacio sin lugar definido, lo veremos –o más bien, escucharemos– a lo largo de este programa. La suspensión del tiempo y del espacio, la búsqueda personal de un “no lugar” propio –más allá de inscribirse en una tradición o corriente reconocida– constituye, quizá, el verdadero desafío del arte contemporáneo.

Programa

Isaac Albéniz (1860-1909) – El Albaicín (1908)
Alberto Carretero (1985) – Videns (2012), para piano y electrónica
Joan Gómez Alemany (1990)
Estudi* (2015)
Lacrimae (2023)
Federico Monpou (1893-1987) – Canción y danza nº 6 (1918)
Fabià Santcovsky (1989) – Ombres flottantes (2021)
Nuria Núñez Hierro (1980) – Der Rote Faden III (2012)
Lula Romero (1976) – The old night itself** (2024), para piano preparado y electrónica
Jose Luis Perdigón (1990) – S Ori 70 (2024)

* Estreno mundial
** Estreno en España

Claudia Pérez Iñesta – piano
Alberto Carretero – electrónica

 

8 diciembre 2026. PluralEnsemble (Madrid) CANCELADO

COMPRA DE ENTRADAS: https://icas.vivaticket.es/es/espectaculo/pluralensemble-(madrid)/ICASTU812

Programa en gira nacional 2026.
Fabián Panisello, director
Sala Silvio, 20:00 horas

PluralEnsemble es un conjunto instrumental especializado en la música de los siglos XX y XXI fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras. Colabora además con los principales artistas de la escena musical contemporánea y ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio europeas.

El concierto de PluralEnsemble previsto para su Gira Nacional 2026 incluirá estrenos de las obras encargadas por PluralEnsemble a la compositora Nuria Núñez Hierro y al compositor Mauricio Sotelo junto a las obras ganadoras de la convocatoria para jóvenes Compositoras y Compositores 2026. El programa se completará con obras de los compositores María de Alvear, Umberto Pedraglio, Laura Kaminski y Weg Dequing de reconocido prestigio internacional, aportando un contrapunto a las obras de estreno de compositores/as españoles/as, considerando fundamental contribuir a situar la escena española en un contexto internacional en nuestras programaciones.

Programa

Nuria Núñez Hierro (1988) – Atlas Coelestis (2026)*
María de Alvear (1960) – Temple (2021)
N. N. [Obra seleccionada de la convocatoria para jóvenes compositores/as 2026]**
Umberto Pedraglio (1978) – Eros (2026)*
N. N. [Obra seleccionada de la convocatoria para jóvenes compositores/as 2026]**
Laura Kaminski (1956) – Alluvion (2020)
Wen Deqing (1958) – Drinking Song (2024)
Mauricio Sotelo (1961) – Urpall I für Kammerensemble (2026)*

* Obra encargo de PluralEnsemble 2026. Estreno absoluto.
** Estreno absoluto 

Director: Fabián Panisello

 

17 octubre 2026. Taller Sonoro

COMPRA DE ENTRADAS: https://icas.vivaticket.es/es/espectaculo/con-silencio-vibrante/ICASTU261027

Con silencio vibrante.
Presentación CD Taller Sonoro.
Sala Silvio, 20:00 horas

Con silencio vibrante es el título del nuevo CD publicado por Ibs Classical –en colaboración con la Universidad de Barcelona– donde Taller Sonoro ha plasmado el sonido de la vanguardia de la música de cámara en España y Latinoamérica entre los años 1960-1970. Ocho composiciones, fechadas finalmente entre 1963 y 1976, con las que se pretende brindar una noción tan representativa del panorama de la música latinoamericana y española de los «años dorados» de la vanguardia, en plena madurez de sus presupuestos técnicos y estéticos, como original, al ofrecer primeras grabaciones absolutas (hasta donde somos conocedores) de las obras de los compositores escogidos

Las obras de Joan Guinjoan (1931-2019), Aurelio de la Vega (1925-2022), Graciela Paraskevaídis (1940-2017) y Jesús Villa-Rojo (1940), junto con las de Gonzalo de Olavide (1934-2005), Enrique Raxac (1932) y Luis de Pablo (1930)-2021, se han escogido para su grabación como puntos de conexión trasatlántica entre las muestras provenientes de ambas orillas y entre las trayectorias personales de sus autores. Al fin y al cabo, contribuciones de los ámbitos español y latinoamericano al tronco común de la vanguardia musical del medio siglo xx. En este programa se presenta una selección de las obras ofrecidas en el CD.

Programa

Mario Lavista (1943-2021) – Quotations para violoncello y piano [1976]
Joan Guinjoan (1931-2019) – Miniaturas per a violí, clarinet, piano i bateria [1965]
Graciela Paraskevaídis (1940-2017) – Con silencio vibrante para clarinete y viola [1967]
Gonzalo de Olavide (1934-2005) – Composición a 5 instrumentos [1965]
Jesús Villa-Rojo (1940) – Espaciado-Rítmico [1974]
Luis de Pablo (1930-2021) – Cesuras [1963]

Taller Sonoro
flauta – Jesús S. Valladares
clarinete – Camilo Irizo
oboe – Sarah Roper
piano – Ignacio Torner
percusión – J. Baldomero Llorens
violín – Alejandro Tuñón
viola – Aglaya González
violonchelo – Mª del Carmen Coronado

 

17 mayo 2026. Proyecto Piano Joven (Sevilla)

Proyecto Piano Joven

Dir.: Ignacio Torner

Sala Silvio, 20:00 horas

eLectronics

El Proyecto Piano Joven se concibe desde el Aula de Piano de Ignacio Torner, profesor del Conservatorio Profesional de Música Cristóbal de Morales de Sevilla, pianista especializado en repertorio actual y miembro de Taller Sonoro. En este proyecto participa un grupo de alumnos de grado profesional seleccionados anualmente que interpretan una pieza de música para piano contemporánea española o iberoamericana para ser llevado en gira. Esto lleva al alumnado a exigirse a sí mismo un nivel real de concierto alejado de la audición del propio centro y, en los casos que es posible, a trabajar directamente la obra con los diferentes compositores, que se trasladan a Sevilla para tal efecto.

La gira de conciertos se organiza en colaboración con otros conservatorios y salas, tanto de España como del extranjero, y en su producción intervienen de manera directa (en todos sus aspectos artísticos, técnicos o logísticos) los alumnos participantes, con la idea de conocer de primera mano la producción de una gira de conciertos de manera profesional. En estos 20 años, el Proyecto Piano Joven ha llevado a sus alumnos en gira por las ciudades de París, Bruselas, Roma, Milán, Livorno, Lucca, Lisboa, Viena, Elvas, Madrid, Soria, Pontevedra, León, sin olvidar presencia en todas las provincias andaluzas.

Programa

  • Juan González Batanero (1989) – [Obra estreno]*
  • José López Montes (1977) – Zobeliana (2009)
  • Diana Pérez Custodio (1970) – Play Again (2019)
  • Jose Manuel López López (1956) – Lo fijo y lo volátil (1994)
  • Manuel Delgado (1964) – Replay (2011)
  • Javier Torres Maldonado (1968) – Tensión Tranquila II (2013)
  • Xavier Gelabert (1976) – [Obra estreno]*
  • Carlos D. Perales (1979) – In termini estremi nº 3 (2019)
  • Octavi Rumbau (1980) – One Paradox 2.0 (2018)

* Estreno absoluto 

Intérpretes:

Ángel Fernández
Irene González
Víctor Montilla
Ignacio Torner
Clara Aranda
Clara Torner (invitada PPJ 2024)
Alazne de los Ríos
Carlos Borrás
Ethan Labrada (invitado PPJ 2023)
Daniel Torner (electrónica y sonido)

Director: Ignacio Torner

5 junio 2026. Taller Sonoro + Zahir Ensemble

Taller Sonoro + Zahir Ensemble

Sala Silvio, 20:00 horas

Una tarde con Eduardo Polonio

Mejor una tarde, un buen rato, que un homenaje; palabra seria donde las haya que adquiere unos contornos demasiado severos para la sonrisa y el buen vivir que siempre destiló Eduardo Polonio, el gran maestro de la música electroacústica en España. Nos dejó en los últimos días de 2024 y su legado, a la vista de las últimas publicaciones que revisan su música, no deja de crecer. Esta sesión es especial en muchos sentidos. No solo se festeja su obra, también su carácter colaborativo y transversal. En la primera parte, Taller Sonoro redescubre algunas de sus primeras obras instrumentales, extraviadas rarezas que ahora vuelven a la luz y que documentan su mirada cómplice a Fluxus y a Zaj, pero también a la escolástica modernista de la Escuela de Darmstadt. Después, lo que le hizo grande, la electrónica. Dos primeras obras que reivindican su entrega a la música minimalista desde una curiosa perspectiva entre lo aforístico y lo melódico; para terminar con una obra gigante de su última época, capas y capas de texturas fascinantes iluminadas por el video artista Santiago Torralba, estrecho colaborador del enorme Polonio.

Ismael G. Cabral

Programa

Eduardo Polonio (1941-2024)

  • Apólogos (1981)
  • [Otras obras instrumentales, por determinar]
  • El reclinatorio en el tejado de la lejana abadía (1971)
  • Me voy a tomar el Orient Express (1974)
  • ¿Qué hacen todos esos girasoles mirando hacia Japón? (2015) (video: Santiago Torralba)

1 mayo 2026. Rioja Filarmonía

Rioja Filarmonía (La Rioja)

Jorge Nicolás Manrique, director

Sala Silvio, 20:00 horas

¡Atención: Sonido!

Sin pretender establecer un paralelismo directo entre los dos compositores de la propuesta, Helmut Lachenmann y Elena Rykova, Rioja Filarmonía quiere poner el foco en el principio de objeto sonoro, poner la lupa en el sonido y cuidar el timbre como si fuera lo más elevado posible.

Las tres obras icónicas seleccionadas de Lachenmann, que autodefine su estilo compositivo como música concreta instrumental y cuyas partituras tienen una gran parte de contenido gráfico, dan muestra de ello y entroncan directamente con algunas de las ideas sonoras y estéticas de Elena Rykova, quien en 2015, con 101% mind uploading, comenzó a desarrollar un lenguaje propio en sus partituras, escritas a mano y como si de una obra de arte se trataran, persiguiendo que la notación no refleje tanto lo que debe de sonar sino lo que el intérprete debe hacer.

Programa

  • Helmut Lanchenmann (1935) – Guero (1969)
  • Elena Rykova (1991) – You exist and I am an illusion (2016)
  • Helmut Lachenmann – Intérieur I (1966)
  • Helmut Lachenmann – Pression (1969)
  • Elena Rykova – 101% mind uploading (2015)

Intérpretes

Alba Reirís, violoncello
Daniel Mozas Lozano, percusión
Iker Idoate Santaolalla, percusión
Jorge Nicolás Manrique, piano y dirección artística

 

8 abril 2026. Ensemble Conservatorio Superior de Música de Sevilla

Ensemble Conservatorio Superior de Música de Sevilla

Camilo Irizo, director

Programa Académico 2025/26

Sala Silvio, 20:00 horas

El Ensemble de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Música «Manuel Castillo» de Sevilla es un conjunto de reciente creación cuyo principal objetivo persigue la educación integral de los alumnos que lo conforman, permitiendo el trabajo de repertorio contemporáneo del más alto nivel a la vez que combinarlo con una actividad concertística importante que los sitúa en un plano de alta especialización.

En su corta trayectoria se ha hecho merecedor de un hueco en uno de los festivales más importantes de nuestra ciudad –el Festival Encuentros Sonoros– donde comparten cartel con grupos de alto prestigio a nivel nacional e internacional. Igualmente, llevan adelante un proyecto conjunto con el Conservatorio Profesional de Danza de Sevilla. Entre su repertorio se encuentran obras de los compositores más relevantes de las últimas décadas, con especial atención a los compositores sevillanos y andaluces.

Programa Académico 2025/26

Director: Camilo Irizo

 

13 febrero 2026. Taller Sonoro – XXV aniversario

Taller Sonoro XXV aniversario

Sala Silvio, 20:00 horas

Professor Bad trip – Fausto Romitelli

En mayo de 2010, Taller Sonoro llevó a cabo el estreno en España de una de las obras más importantes e impactantes de la música actual: Professor Bad trip. Lessons 1, 2 and 3 del compositor italiano fallecido en 2004 Fausto Romitelli.

Fausto Romitelli estudió en el IRCAM, donde conoció técnicas espectrales de la mano de Grisey y Murail. Allí pudo trabajar en la elaboración de sonidos complejos fusionando timbre y armonía. Todo ese trabajo, unido a la enorme atracción que sentía por el mundo del rock alternativo y psicodélico, hacen de esta obra una de las más importantes del panorama actual y nos crea un paisaje sonoro que él mismo definió como «obsesivo, repetitivo y visionario». Sus obras suenan deformes y artificiales, a veces violentas, hipnóticas y rituales, como si reflejaran la percepción del mundo a través de los medios y la inalcanzable experiencia de la realidad.

La influencia de Grisey y de Murail fueron determinantes para la evolución de Romitelli, siendo varios los aspectos del espectralismo que nutrieron su creación. Un buen ejemplo de ello se encuentra en Domeniche alla periferia dell’imperio donde la exploración del espectro es apoyada por instrumentos como armónica y kazoo (que toca el clarinetista), un afinador de guitarra que aborda el flautista y el tratamiento del violín y violonchelo como guitarras eléctricas.

Programa

Fausto Romitelli (1963-2004)

Domenica alla periferia dell’imperio I y II (1995-2000)

Professor Bad Trip (1998-2000)

    • Lesson I
    • Lesson II
    • Lesson III

 

TALLER SONORO – 

Jesús Valladares, flauta
Camilo Irizo, clarinete
Baldomero Llorens, percusión
Ignacio Torner, piano
Alejandro Tuñón, violín
Mª del Carmen Coronado, violonchelo

 

13 enero 2026. Víctor Barceló (percusión)

Víctor Barceló (percusión)

Sala Silvio, 20:00 horas

Lux Machina – percusión y multimedia

Lux Machina presenta un programa de obras para percusión en diálogo con vídeo, electrónica y luz. Las piezas comparten un lenguaje visual y sonoro que oscila entre la estética minimalista y el noise, con influencias de artistas como Ryoji Ikeda y Thomas Renoldner.

En este concierto, lo visual no es un mero acompañamiento: es una capa indispensable sin la cual la música no existiría. Imágenes generadas por ordenador, ritmos mecánicos sincronizados con proyecciones y una iluminación precisa amplifican la música, generando una experiencia inmersiva.

Las tecnologías digitales forman parte inseparable de nuestra vida cotidiana. Pantallas, algoritmos y flujos de datos configuran nuevas formas de percepción y comunicación. En Lux Machina, estas herramientas se convierten en un puente cultural que refleja códigos compartidos y vivencias comunes. Más que una celebración de lo tecnológico, este espectáculo propone una mirada crítica sobre nuestros hábitos de consumo.

Programa

  • Terry Riley (1935) – A rainbow in a curved Air (1967)
    Versión para vibráfono: Víctor Barceló (2021)
  • Paula Piñero (1988) – Equidistancia selectiva (2024)
  • Kaj Duncan David (1988) – 4c0st1ctr1g3r (2017)
  • Igor C. Silva (1989) – Zone#1 (2019)
  • Alberto Bernal (1978) – Imposible Translations #3b (2015)
  • Isandro Ojeda (1989) – Soledad Digital (2021)

Víctor Barceló, percusión

10 enero 2026. ProyectoeLe (Sevilla) + Kyma Kollektiv

ProyectoeLe (Sevilla) + Kyma Kollektiv

Carlos Cansino, director

Sala Silvio, 20:00 horas

Vidas Salvajes

La propuesta de proyectoeLe para esta temporada 2025-26 se centra en cuatro piezas musicales para coro mixto con la naturaleza como hilo conductor entre ellas y escritas expresamente para proyectoeLe por los integrantes de Kyma Kollektiv para ser estrenadas en el VX Festival Encuentros Sonoros.

Kyma Kollektiv es una organización con sede en Linz (Austria) formada por un grupo de compositores de distintas nacionalidades que tienen en común la tutela de la compositora Carola Bauckholt.

Como asociación cultural, su principal objetivo es la promoción de proyectos en el campo de la música contemporánea, teniendo en cuenta la accesibilidad para el público y ofreciendo, además de los conciertos, actividades educativas.

Actualmente, Kyma Kollektiv está formado por Jadwiga Frej (1997, Polonia), Ixta Rodrero Gil (1997, España), Alireza Shahabolmolkfard (1991, Irán) y María Pérez Díez (1996, España).

Programa

Alireza Shahabolmolkfard (1991)
Status: Seventeen, as for June 2025 (subject to further change) (2025) *
Ixta Rodero Gil (1997)
Hubo (2025) *
Jadwiga Frej (1997)
Slow Down (2025) *
María Pérez Díez (1996)
Peacock Rising (2025) *

* Estreno absoluto 

Director: Carlos Cansino Pérez

26 noviembre 2025. PluralEnsemble

Programa en gira nacional 2025

Fabián Panisello, director

26 Noviembre. Sala Silvio, 20:00 horas

PluralEnsemble es un conjunto instrumental especializado en la música de los siglos XX y XXI fundado por Fabián Panisello, su director titular. Buscando siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras. Colabora además con los principales artistas de la escena musical contemporánea y ha realizado numerosas grabaciones para diversas emisoras de radio europeas.

El concierto de PLuralEnsemble previsto para su Gira Nacional 2025 incluye estrenos de las obras encargadas por PluralEnsemble a las compositoras Helga Arias y Alicia Díaz de la Fuente, además de las obras ganadoras de la convocatoria para jóvenes compositores y compositoras 2025, tres obras de los compositores ingleses Benjamin Britten, Ethel Smith y George Benjamin, y un doble homenaje al gran compositor Rodolfo Halffter y al poeta Antonio Machado, incluyendo la obra Homenaje a Antonio Machado en el marco del 125 y 150 aniversarios de sus nacimientos respectivamente.

Reflejos 20-21
Helga Arias (1984) – Absolute Demolition: Homage to Mina Loy [2025]*
flauta, clarinete, piano, violín, violonchelo
George Benjamin (1960) – Flight [1979]
flauta solo
Francisco José Ferris Casado (2000) – Reflexiones ante el llanto de un niño [2025]**
flauta, clarinete, piano, violín, violonchelo
Ethel Smith (1858) – Allegro moderato de la Sonata para violín y piano en la menor [1887]
piano, violín
Alicia Díaz de la Fuente (1967) – Atardece el silencio [2025]*
flauta, clarinete, piano, violín, violonchelo
Benjamin Britten (1913) – Tema “Sacher” [1976]
violonchelo solo
Rodolfo Halffter (1900) – Homenaje a Antonio Machado [1952]
piano solo
Daniel Alejandro Cristóbal (1995) – Hyper- [2024]**
flauta, clarinete, piano, violín, violonchelo

PluralEnsemble

Sofía Salazar flauta
José Viana clarinete
Duncan Gifford piano
Ema Alexeeva violín
Michal Dmochowski violonchelo
Fabián Panisello director

19 Noviembre 2025. Taller Sonoro

Cuentos para arrullar un enjambre

Nuestra propuesta consiste una carta blanca donde se presentan tres trabajos de la compositora Nuria Núñez Hierro que datan del año 2010 a 2025 incluyendo una nueva obra estreno en este concierto. Además, nuestro programa se completa con obras de compositoras estrechamente relacionadas con su trayectoria vital y estética (Elena Mendoza, Lula Romero y Clara Iannotta).

Programa

Nuria Núñez – Alla ricerca disperata del sole (2014/17)
Lula Romero – Autonomous realities (2021)
Elena Mendoza – De dentro afuera (2016)
Nuria Núñez – Cartografías efímeras (2024)
Clara Iannotta – Il colore dell’ombra (2010)
Nuria Núñez – Lo que se escucha desde dentro de un tornado (2025) 

– Intérpretes 

Jesús Sánchez Valladares, flauta
Camilo Irizo, clarinete
Baldomero Lloréns, percusión
Ignacio Torner, piano
Alejandro Tuñón, violín
Carmen Coronado, violonchelo 

Nuria Núñez, Nace en Jerez de la Frontera en 1980. Comienza su formación en el Conservatorio Superior de Música de Córdoba y más adelante en la Universidad de las Artes de Berlín (Universität der Künste) bajo la tutela de Elena Mendoza e Iris ter Schiphorst concluyendo con la máxima distinción sus estudios de Máster en Composición. Completa su aprendizaje en cursos y festivales como el IRCAM-ManiFeste (Paris), el Meisterkurs Orchesterkomposition de la RSO Stuttgart o la Cátedra Manuel de Falla. Además asiste a master classes y talleres con los miembros del Ensemble Modern (Frankfurt) o con compositores como Walter Zimmermann, Arnulf Hermann, Jose Manuel López López, Jose M. Sanchez Verdú, Rebecca Saunders, Mathias Spahlinger, Magnus Lindberg, James Dillon and Manuel Hidalgo entre otros. Ha recibido becas de la Fundación La Caixa y el Servicio de Intercambio Académico alemán (Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD)), de la consejería de Cultura de la Junta de Andalucia y de la Fundación  Autor.

Su catálogo incluye obras para diversas formaciones que han sido interpretadas en España (Auditorio Nacional de Música en Madrid, Museo Reina Sofía, Teatros del Canal, Teatro de la Zarzuela, Gran Teatre Liceu, Festival Mixtur de Barcelona, Festival de Alicante, Auditorio de Zaragoza, L’Auditori de Barcelona, Teatro Central de Sevilla, Teatro de la Maestranza, Gran Teatro Falla de Cádiz,…), Italia (Academia de España en Roma), Alemania (Konzerthaus Berlin, Deutsche Oper, Volksbühne, Haus der Rundkfunk Berlin, Donaueschinger Musiktage, ciclo Unerhörte Musik del BKA Theater, Ackerstadt Palast, Haus der Kulturen der Welt, Oper Wuppertal, ciclo Ars Nova de la Radio SWR en Biberach, 15. Festival de Primavera de Weimar (15. Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische Musik), Europäischen Wochen Passau…), Austria (Raum Salmgasse), Rusia (Rakhmaninov Hall del Moscow Tchaikovsky Conservatory), Francia (París, Festival IRCAM-ManiFeste, Colegio de España), Eslovenia (Ljubljana, 14th World Saxophone Congress), Colombia (Bogotá, Auditorio Fabio Lozano), México (Festival Puentes) por orquestas como la Orquesta Nacional de España, la Rundfunk Sinfonieorchester (RSB) Berlin, la RSO Stuttgart, la Jenaer Philarmonie, la Loh-Orchester Sondershausen, la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), la Orquesta Filarmónica de Málaga, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y ensembles como el Ensemble Intercontemporain (FR), Ascolta Ensemble (DE), Studio New Music of Moscow (RU), Modern Art Ensemble Berlin (DE), Trio Transmitter (DE), Liminar Ensemble (MX), Taller Sonoro (ES), Ensemble CrossingsLines (ES), o el Ensemble DieOrdnungderDinge (DE).

Su trabajo se ha visto reconocido con distinciones y premios como el XXXIX Premio de Composición Reina Sofía de la Fundación Ferrer-Salat, el Premio de Roma otorgado por la Academia de las Artes alemana Villa Massimo-Casa Baldi, la residencia artística en Villa Aurora (Los Ángeles, 2015) otorgada por el Ministerio de Exteriores alemán, la beca de posgrado en la Graduiertenschule de la Universidad de las Artes de Berlín (durante dos años para la realización del proyecto escénico para niños Bestiarium), el Primer Premio y Premio del Público (Bärenreiter Preis) del concurso de composición para orquesta del 15 Festival de Primavera de  Weimar (2014), la residencia en la Academia Estatal de Turingia en Sondershausen (2013, con el encargo de una nueva pieza para orquesta), el Tercer premio en la VII Jurgenson International Composer’s Competition (otorgado por el Centro para la Música Contemporánea de Moscú) o la nominación para el European Composer Award del Festival Young Euro Classic Berlin (2012, por su pieza Donde se forjan las quimeras). En 2011 obtuvo el premio Promoción de Estrenos para Jóvenes Compositores de la Academia de Música Contemporánea de la JONDE y el Ministerio de Cultura de España, en 2009 el Premio de Composición CDMC del INJUVE y en 2007 el Primer Premio en el XVIII Premio Jóvenes Compositores Fundación Autor-CDMC (2007). Ese mismo año fue elegida para representar a España en la tribuna de compositores International Rostrum of Composers de la UNESCO. En 2017 ganó una de las Becas Leonardo de la Fundación BBVA con la que llevó a escena su ópera para niños, La Isla, merecedora del Premio a la Mejor Ópera y Premio del Público en los Young Audience Music Awards 2020 de Jeunesses Musicales International y RESEO.
Además, como compositora su presencia ha sido requerida para formar parte del jurado de concursos como el concurso de Composición para Orquesta de la Bienal de la Orquesta Sinfónica de Brandemburgo o el Premio Jóvenes Compositores Fundación Autor-CDMC (2014) y sus obras se han emitido por radios como la Radio Nacional de España, la SWR2 o Deutschlandradio Kultur.  Por otra parte, también desarrolla su actividad en el campo pedagógico a nivel universitario (conferencias y masterclasses en el Instituto de Arte de California (CalArts en Los Ángeles), Musikhochschule Franz Liszt de Weimar, Universidad de las Artes de Berlín (UdK Berlin), Universidad Complutense de Madrid, Musikene-Centro Superior de Música del País Vasco y otros diferentes Conservatorios Superiores en España (como el de Granada, Málaga, Madrid, Salamanca o Alicante).

En los últimos años el compromiso no solo con la creación de nuevos públicos sino también con la creación de nuevo repertorio para el público actual la ha llevado a trabajar en propuestas que impliquen a jóvenes audiencias como la residencia en la Orquesta de la Radio de Berlín (Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, RSB) para el proyecto Rapauke macht Musik para niños de 3 a 7 años, las óperas Kleines Stück Himmel (ópera para niños desde 2 años, encargo de Deutsche Oper Berlin), La Isla (video-ópera para público desde 11 años, encargo de la Fundacion BBVA), El sueño del señor Rodari (ópera de cámara con teatro de sombras desde 6 años de edad, en la Academia de España en Roma) y Bestiarium, teatro musical interactivo para público a partir de 6 años (coproducción del Senado de Berlín, la Fundacion Einstein, la Haus der Kulturen der Welt y Volksbühne Berlín).

La obra de Núñez Hierro se sustenta en la exploración de la dualidad intérprete/instrumento y en profundización de las múltiples relaciones que ambos establecen entre ellos, con el espacio escénico y con el público. En sus obras emplea técnicas instrumentales extendidas, amplificaciones e integración de la voz así y como incorpora objetos sonoros con cualidades escénicas con el objetivo de expandir las posibilidades expresivas de los intérpretes e investigar en nuevas formas de comportamiento y comunicación con el oyente.

Por otra parte, su trabajo deja ver un fuerte vínculo con la naturaleza y los seres vivos y plantea una forma de pensar la música inspirada en el estudio de las redes de comportamiento animal. Para la compositora, los humanos, como cualquier sistema animal integrado por entes individuales, establecemos relaciones entre nosotros para sobrevivir en la naturaleza que no son más que una reproducción a gran escala de los sistemas cooperativos no-humanos de insectos o microorganismos.

La música se compone tomando como punto de partida estas relaciones para tejer geometrías sonoras vivas, como pequeños organismos que proporcionan coordenadas a nuestro oído creando una vasta red de conexiones formales que moldean la memoria de cada oyente.